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摄影与绘画，曾经是一对不可调和的矛盾，而在今天，它们可以和平共生于同一个作品。在上海摄影艺术中心举办的史国威个展《重·现》中，展出了艺术家从2006年至今创作的21幅作品。这个展览的作品不仅打破了人们对通常摄影和绘画的认识，并且重新呈现了一种曾经流行于家庭摄影的方式——照片上色技术。

“慢节奏的工作是难能可贵的，人生如此短暂，只有放慢脚步我们才能真正体会生活的意义。我努力描述那些语言所不能及的东西来激活麻木的神经。这即是艺术的一种真谛。”艺术家将自己的作品形容为“摄影-绘画”，通过小心翼翼的缓慢的创作过程，游走于摄影和绘画两种艺术形式之间。

展期持续2021年整个春季，史国威这种独特的创作方法第一步是摄影，他在国内大学和德国研究生期间都是主攻摄影，尤其是摄影技术方面，在大学课余期间他也喜欢绘画，会在冲洗出来的照片上尝试染色。德国毕业时创作的一组作品，是严格意义上的真正手工上色作品，之后史国威便一直实践给黑白照片手工上色的方式，在漫长的实践中找到了结合绘画的表现方法。

照片手工上色并不是一个新技术，尤其在上世纪七八十年代的家庭照中，这种技术非常流行，通常由照相馆的老师傅使用油彩和水彩，在黑白照片基底上涂抹晕染人物形象色彩，赋予人物惟妙惟肖的真实感。再往前追溯，从摄影发明之时起，就有在照片上涂抹颜色的做法了。

但是这种技艺随着彩色照片的普及而衰落，在照片上绘画或者书写作为一种小范围的艺术实验，由少数艺术家坚持尝试，比如德国艺术家格哈德·里希特、日本摄影艺术家荒木经惟等，虽然作品表现不尽相同，但是大部分是在摄影作品之上用油彩或其他颜料大面积涂抹，最后作品的呈现还是偏向于绘画或者摄影的某一端。

史国威的照片上色则起始于严格的照片上色技术训练，对这方面的熟悉，可能隐约有来自父辈潜移默化的影响，他父亲年轻时就亲自手工上色照片，并且购买书籍认真学习，这在展览中也能看到实物。但是技艺的训练则是在自己的实验中慢慢成熟。在2006年的毕业作品中，史国威创作了一系列人物形象，通过服装和简单的道具，重现欧洲历史和神话中的标志性人物，再在其上给人物的面孔叠加一层中国传统戏曲中的脸谱装饰图案，手工上色的部分，突出了这种对比的冲突性。

回国后史国威一直在尝试给人物主题作品上色，并且作品越来越大尺幅，展览中这一时期的具象作品《风》（2008）、《丑角》（2009）等，可以看出艺术家对这一手法的纯熟应用。

如果说史国威早期以人物为主的、具有波普风格的戏仿作品，毫不掩饰的隐喻，解决了巨幅照片上色的技术难题，后期向自然风景的转变，则让史国威真正获得了自己的语言——摄影-绘画，不偏不倚，游走于真实和幻象，通过对风景的摄取拼贴和其上的敷色描摹，转向内心，转向隐喻和共鸣，用艺术家自己的话说“借物抒情”，邀请观众体会其中微妙的心境和情绪。

这一系列作品乍看起来似乎非常自然，其中的风景并非奇观，而是我们经常可见的树丛、草地、植物乐园、山间花丛……但是一旦走近观看，会发现其中的“不自然”，原本以为是彩色摄影，被色彩线条笔触所打破，原先以为的普通风景，也会因此而值得揣摩。